The Dark Knight Rises

Bruce Wayne (Christian Bale), em The Dark Knight, disse “Eu acredito em Harvey Dent”. Bem, eu nunca acreditei no Dent (Aaron Eckhart), pois já tinha lido The Long Halloween e Dark Victory antes de o filme ter lançado, contudo eu confio no Christopher Nolan e ele, certamente, fez jus a esta confiança com The Dark Knight Rises.

O filme é baseado nas HQs Dark Victory, Knightfall e No Man’s Land e dá continuidade a dois temas apresentados no final do segmento anterior: os frutos da mentira encabeçada pelo Cavaleiro das Trevas e sustentada pelo Comissário Gordon (Gary Oldman) para manter a imagem incorruptível do Duas-Caras e o tormento causado pela morte de Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal) ao Batman, o qual, oito anos após o ocorrido, reduziu-se a uma sombra do seu “eu” antigo, tornando-se um homem recluso e aleijado tanto emocional quanto fisicamente.

Este aleijamento do personagem é, por sinal, um dos principais temas abordados durante o filme, Wayne perdeu a vontade de viver, aceitou não ter mais um futuro e agora conta, lentamente, os seus dias com ninguém ao seu lado senão o fiel Alfred Pennyworth (Michael Caine). É interessante destacar a forte química existente entre Bale e Caine que, realmente, conseguem “vender” a ideia de que se importam de verdade um com o outro.

Há também uma sincronia entre Bale e Anne Hathaway (no papel de Selina Kyle/Mulher-Gato). Eu, em particular, não me senti muito convencido pela atuação de Hathaway apesar de ela estar ótima como de costume, além do mais, devo aplaudir a maneira como a sua personagem é usada no filme para iniciar o fim da inércia de Wayne, sendo ela a primeira razão pela qual ele veste o manto no filme.

No entanto, quem põe um fim definitivo à aposentadoria do Homem-Morcego é o vilão Bane (Tom Hardy) que, embora não tão carismático quanto o Coringa do falecido Heath Ledger, conseguiu ser um excelente antagonista para trama. Não sei se foi à intenção de Nolan, porém eu notei que estes dois vilões do Nolanverse são como Yin & Yang: o Coringa é, em suas próprias palavras, um agente do caos, um cão correndo atrás de um carro, ele só quer ver o circo pegar fogo enquanto que Bane, por outro lado, é um planejador: ele tem um objetivo em mente e executa, pacientemente, cada singela etapa necessária para alcançá-lo, o que faz dele um igual ao Batman tanto em capacidade mental como em aptidão física, tornando-o, a meu ver, um vilão mais interessante e essencial para o outro tema abordado em The Dark Knight Rises, aquele que, por ser referido em seu título (“to rise”, “ascender”), leva-me a crer ser o tema principal: redenção.

Redenção de Gotham, de seu comissário, de Selina Kyle e, é claro, de Bruce Wayne que, finalmente, consegue seguir em frente com a sua vida, tornando-se (e eu faço questão de parafrasear as palavras de Gordon em TDK) o herói que Gotham precisa para pôr um fim ao reino de terror e anarquia causado por Bane e seus mercenários.

Logicamente, não posso deixar de mencionar o personagem de Joseph Gordon-Levitt, R. John Blake, um simplório policial (a priori) do Departamento de Polícia da Cidade Gotham que serve para representar a juventude idealista e, às vezes, um tanto impulsiva e falha presente em Gordon e no Batman nos filmes anteriores, algo feito por Gordon-Levitt com maestria: ele conseguiu NÃO ser um ajudante-de-herói (por falta de termo melhor) chato. Muitíssimo pelo contrário.

The Dark Knight Rises é uma obra-prima do cinema moderno que não somente merece o título de Filme do Ano como também deve ganhar aplausos por mudar, completamente, como serão feitos os filmes de super-heróis daqui para frente, são quase três horas de diálogos inteligentes em meio a cenas de ação alucinantes espaçadas em um roteiro envolvente e bastante sólido. Se TDK recebeu uma nota 10/10, então, este aqui merece um 12/10.

Up: Altas Aventuras

Há dois anos, em uma sexta-feira ensolarada, eu saí do curso para almoçar no shopping e depois assistir a um filme com o meu primo e os nossos amigos, Atividade Paranormal. Na entrada do cinema, eu dei uma olhadela nos pôsteres ali dispostos e, automaticamente, tive a minha atenção capturada pelo do filme Up: Altas Aventuras, na qual exibia um velhinho usando óculos fundo-de-garrafa e gravata borboleta, um menininho gorducho e uma casa voadora mantida no céu por balões, muitos balões — “Eu preciso ver esse filme”, foi o que, imediatamente, eu pensei.

Bem, as situações corriqueiras da vida impediram-me de assisti-lo até pouco tempo atrás, sentei-me defronte para a minha televisão em alta definição, peguei o meu copo gigante preenchido de refrigerante e desfrutei da aventura do velhinho Carl Fredricksen, do pequenino escoteiro Russel e, de certo modo, da sua esposa, Ellie. O resultado? Up: Altas Aventuras usurpou, merecidamente, a posição de Toy Story como a melhor animação da Pixar.

O filme, embora, supostamente, feito para crianças, é voltado para uma audiência mais madura, adolescentes entrando na idade adulta, adultos que precisam lidar com o estresse do dia-a-dia e idosos muito enraizados nos seus velhos hábitos, por sinal, esta é a situação do protagonista, Carl, o qual tenta se agarrar, desesperadamente, ao passado depois de ter perdido o amor da sua vida, Ellie. Em virtude disso, o velhinho também dá a entender que perdeu a vontade de viver e, assim, incumbe-se de uma missão suicida: viajar até o Paraíso das Cachoeiras com a sua casa para, então, pousá-la ao lado da cachoeira correspondente a do desenho traçado por Ellie quando ela ainda era uma criança — fundamentalmente, Carl somente quer reencontrar a sua esposa no céu e que maneira melhor de reunir-se com ela senão tentando cumprir a sua promessa máxima?

De fato, Up teria tomado um rumo, particularmente, trágico se não fosse pela presença de Russel cujas características são um tanto semelhantes às de Carl e Ellie em sua infância. Ao ser, relutantemente, aceito como companheiro-de-viagem do velhinho rabugento, o escoteiro pouco-a-pouco consegue mudar a atitude de Carl, sendo essencial para que este último recupere a sua felicidade de outrora e, então, perceba as duas grandes lições do filme: a vida continua e você sempre pode encontrar outra pessoa para amar e, assim, é construída uma adorável amizade entre o velhinho de gravata borboleta e o escoteiro gorducho que, mesmo depois da aventura no Paraíso das Cachoeiras, continuaram a desempenhar um papel importante na vida um do outro.

Em suma, é um filme muito bonito, um dos meus preferidos e, sinceramente, eu acredito que valha a pena assisti-lo, porque mesmo se você não conseguir se identificar, plenamente, com os personagens, a história continua sendo uma muito deleitosa de se acompanhar.

Thor: mitologia e cinema

Outro dia eu atirei pela janela todas as opiniões e avisos dos outros e, então, me sentei para assistir a um filme que tem sido, brutalmente, esculachado pela crítica profissional e amadora desde a sua estreia no cinema: Thor. Minha opinião pós-filme? Um grande desperdício de tempo, se você é um homem e tem 114 minutos para gastar, faça-o admirando esse gif da Katy Perry que dá mais lucro:

(Agora, na eventualidade de você for uma mulher, assista ao filme pela parte na qual aparece o Chris Hemsworth sem camisa, imagino que você adorará).

Sinceramente, aquilo que mais me incomodou durante o filme foi à maneira como caracterizaram os personagens e esse será o tema abordado por mim nesse texto, eu estabelecerei uma breve comparação entre os personagens na mitologia nórdica e as suas contrapartes cinematográficas, começando, é claro, por aquele que empresta o seu nome ao título do filme.

Thor

Na mitologia: aqui o Thor é descrito como um viking de cabelo vermelho-flamejante e barbudo, ele tem uma esposa, Sif, é o amante de uma giganta, Járnsaxa, e ainda pulou a cerca outra vez com uma mulher desconhecida, a mãe do seu terceiro filho, Mothi, tem o martelo Mjöllnir, o qual consegue, inclusive, esmagar montanhas inteiras, como sua principal arma e é conhecido pelas suas muitas vitórias sobre os seus adversários e pela sua rivalidade titânica com monstruosa serpente Jörmungandr, a qual está destinada a perecer junto dele durante o Ragnarök. Em suma: o Thor mitológico é um bad-ass da mais alta categoria e ainda tem um dia nomeado em sua homenagem — quinta-feira, em inglês, thursday, isto é, Thur’s Day.

No filme: eu admito ter gostado bastante da adaptação cinematográfica do Thor apesar de ele ter tingido o cabelo de loiro, sua armadura, embora brilhante demais para um herói veterano de muitas batalhas, está muito legal e a personalidade dada a ele condiz com as fontes mitológicas: é um sujeito arrogante, seguro das suas habilidades, muito leal aos seus entes queridos e a Asgard e dotado de um grande desejo de estar à altura do seu pai, Odin, de fato, a melhor parte do filme é, justamente, quando Thor vai a Jötunheimr para tirar satisfação com os jötnar (gigantes-de-gelo). O problema é — e aqui vai um spoiler — expulso de Asgard por Odin e vai parar na Terra onde conhece a sem-sal da Natalie Portman, a partir daí, o filme parece tomar outra direção e fica parecendo uma comédia romântica com um Thor todo sorridente, engraçadinho e que, inclusive, lava pratos e cozinha, ou seja, ele deixa de ser um viking para virar aquele carinha simpático que toda mãe, invariavelmente, deseja para a sua filha. Cito o nosso antigo presidente, “Assim não pode, assim não dá”.

Loki

Na mitologia: acesse o seu hipocampo por um instante e faça um esforçozinho para se lembrar daquele sujeito falso que, às vezes, parecia ser o seu melhor amigo e, outras vezes, agia como se a sua total destruição fosse o único objetivo na mente dele. Pois é, esse sujeito é o Loki para os deuses nórdicos. Um feiticeiro malandro com vários truques na manga e uma cota nada invejável de seis filhos, sendo que apenas um é compartilhado com a sua esposa legítima, Sigyn, Loki era tanto um deus quanto um jötunn (Laufey era sua mãe), podia mudar de sexo à vontade, fornicar com quem quisesse (incluindo o cavalo Svaðilfari), arranjar confusão a torto e a direito e ainda colocar a culpa nos outros, mas é como aquele velho ditado diz “malandro demais sempre se enrola” e, no caso dele, isso é algo um tanto literal: depois de ter causado a morte de Baldr e, consequentemente, ter iniciado o Ragnarök, Loki é enrolado pelos deuses nas entranhas de um dos seus filhos. Um fim digno para o vilão que todos os entusiastas da mitologia nórdica adoram odiar.

No filme: o Loki é um sujeito emocional muito revoltado por não ter recebido muitos abraços do seu pai, Odin, quando criança e que morre de inveja do status do seu irmão, Thor. Ele mantém os seus poderes místicos e a sua ligação com Laufey e os jötnar, contudo perde todo o seu carisma da mitologia e, então, tornar-se um vilão vazio, sem graça e que, honestamente, parece — eu peço outra vez para você fazer uma visita às suas lembranças — daquele moleque estranho e isolado que estudou com você e que se via o alvo constante de brincadeiras dos seus outros colegas: ele aguentou os anos de escola agarrando-se à ideia de que se tornaria bem-sucedido no futuro e, então, exibiria o seu sucesso sem paralelo na fuça daqueles que o rejeitaram no passado. Bem, isso, dificilmente, acontece e, no caso, do Loki do Tom Hiddleston não foi diferente.

Odin

Na mitologia: qualquer um nascido nos anos 90 e que tenha assistido àquele filme dos Cavaleiros do Zodíaco, A Batalha dos Deuses, sabe que Odin é a principal divindade da mitologia nórdica, ele tem a aparência de um homem velho de barba longa, um Alvo Dumbledore com um jeito mais macho, sacrificou um olho na Fonte de Mímir para adquirir a Sabedoria das Eras, se enforcou de cabeça para baixo em um dos galhos de Yggdrasil, a Árvore do Mundo, com a sua própria lança, Gungnir, fincada no seu corpo por três dias para aprender a escrever (e você, quando criança, só faltava morrer quando a professora dizia que era para escrever o seu nome completo no caderno), assegurou a paz entre os deuses e os jötnar durante muito tempo e, quando se deu início ao Ragnarök, subiu no seu cavalo Sleipnir e comandou os einherjar na linha de frente, sucumbindo perante as mandíbulas de Fenrir (seu neto-lobo) depois de uma batalha que é descrita pelas prosas nórdicas como sendo uma das mais épicas de todas e, como se isso ainda não fosse o bastante, ele também tem um dia em sua homenagem: quarta-feira, wednesday, Wooden’s Day.

No filme: um ator digno incumbiu-se de interpretar o Pai-de-Todos — Anthony Hopkins, o qual, eu devo dizer, fez um trabalho excepcional durante a parte introdutório do filme, ele conseguiu transpassar toda aquelas características que são, comumente, associadas ao Rei dos Deuses nas prosas mitológicas: o Odin de Hopkins é velho, sábio, paciente, honrado, leal e, é claro, um grande guerreiro, o que é mostrado quando este vai ao resgate de Thor e da sua trupe em Jötunheimr, um momento, por sinal, muito Mufasa da sua parte. Infelizmente, a atuação impecável do nosso querido Hannibal Lecter é derrubada pelo roteiro do filme, o qual estipula que Odin, após ter revelado a Loki sua relação com os jötnar, sofre um derrame e daí passa o restante do filme deitado em uma cama, algo muito Branca de Neve e Bela Adormecida. Cito o narrador do joguinho de futebol que a minha irmãzinha bochechuda jogava antigamente, “Isso é falta pra cartão, Milton”.

Heimdallr

Na mitologia: Heimdallr é aquele responsável pela proteção de Bifröst, a ponte que conecta os nove mundos da mitologia nórdica que o descreve como detendo da capacidade de prever o futuro, tem uma visão impecável, uma audição melhor ainda e é considerado o mais branco (pálido) dos deuses. Em outras palavras, Heimdallr é que nem o porteiro da minha escola (exceto pela cor da pele).

No filme: o Kenneth Branagh, diretor do filme, deve ser um sujeito muito troll, porque, veja bem, enquanto a mitologia caracteriza o Heimdallr como sendo o mais branco dos deuses, ele escolheu o Idris Elba para interpretá-lo, por sinal, nada contra a interpretação do amiguinho do Gerard Butler, muitíssimo pelo contrário, o Heimdallr-depois-de-uns-milênios-na-praia-de-Salinas é, diferente do seu irmão Aldebaran de Touro, um dos personagens mais legais do filme. Sem reclamações da minha parte.

Laufey

Na mitologia: para falar a verdade, não há muitas informações sobre a Laufey na mitologia nórdica, de fato, tudo que se é sabido sobre ela é que é a mãe de Loki com Fárbauti e que é uma jötunn. Só.

No filme: aqui Laufey fez uma operação de mudança de sexo e virou um homem de mais ou menos two metros (porque isso, para o Kenneth Branagh, é a altura de um gigante) que, após ter levado uma surra homérica de Odin, passa o seu tempo no frio enregelante de Jötunheimr, ordena que os seus subordinados deem uma lição no Thor para este último aprender a ser mais humilde, tenta dar uma de machão quando o Odin aparece para o resgate, deixa-se enganar pelo filho, Loki, e acaba sendo morto pelo próprio como parte do seu plano para virar a menina-dos-olhos do pai adotivo. Mas que desperdício de personagem!

Os Três Guerreiros

Na mitologia: eles não estão na mitologia, o que faz sentido, afinal, o que um francês, um chinês e um primo distante do Obelix estariam fazendo na mitologia nórdica?

No filme: eles — Fandral, Hogun e Volstagg — são os amiguinhos pau-mandados do Thor que o seguem para cima e para baixo para onde quer que ele vá. Fundamentalmente, o seu papel é encher linguiça e pegar uma porrada feia do autômato-cuspidor-de-fogo que o Loki manda para a Terra a fim de garantir que o Thor “pegue um bronzeado”.

Sif

Na mitologia: não há muito que dizer sobre a Sif mitológica, ela é a esposa do Thor, é conhecida pelos seus cabelos dourados e pela sua enorme paciência, afinal, só sendo muito paciente para aguentar um marido que vive indo para a guerra e, diariamente, dá umas puladas de cerca com uma giganta (Járnsaxa).

No filme: colocaram a linda da Jaimie Alexander para viver a Sif no cinema e alteraram uma boa parte da história dela, o que, francamente, eu achei ótimo. Agora a Sif é uma amiga de infância do Thor e uma guerreira nata que, embora tão inútil quanto os Três Guerreiros, consegue protagonizar umas boas cenazinhas de ação contra o autômato-cuspidor-de-fogo e poderia ter sido um par romântico melhor para o Thor do que a sem-graça da Natalie Portman, a qual, sinceramente, nunca deveria ter sido apontada para ser a mãe do maior Jedi de todos os tempos, Luke Skywalker.

Frigga

Na mitologia e no filme: então, o papel da Frigga é tão minúsculo que nem gastarei outro parágrafo com ela. Na mitologia, ela é a mulher de Odin, madrasta do Thor, mãe-adotiva do Loki, tem o dom da profecia e é a única além do marido que pode sentar no trono de Hlidskjalf e observar o universo, já no filme ela é tudo isso, mas sem o dom da profecia e, verdade seja dita, qualquer um pode sentar naquele trono do Odin, até o eu, ou você.

Big Fish

Meu avô era um excelente contador de histórias, ou melhor, de estórias, de fato, até hoje eu nunca encontrei alguém como ele que conseguisse transformar um acontecimento mundano em uma aventura tão fantástica ao ponto de você se pendurar em cada singela palavra proferida pelo locutor, vovô era um mago das palavras abençoado com uma imaginação que eu, assim creio, nunca terei, por isso é difícil não me lembrar dele quando assisto a um dos melhores filmes de Tim Burton, Big Fish (no Brasil, Peixe Grande e suas Histórias Maravilhosas).

O filme, visualmente, representa uma mudança no estilo de Tim Burton, o qual põe de lado a fotografia gótica e steampunk dos seus projetos anteriores e adota cores mais claras em tonalidades surreais que funcionam muito bem com o tema disposto pelo filme, isto é, histórias (ou estórias), precisamente aquelas contadas por Edward Bloom (Perry Watson: criança / Ewan McGregor: adulto / Albert Finney: idoso) para o seu filho, William Bloom (Billy Crudup), o qual tem dificuldade em confiar no pai justamente por causa disso: Edward nunca contou a ele a verdade fidedigna sobre qualquer episódio, o que resultou em um eventual afastamento entre pai e filho ao ponto de eles se tornarem, nas palavras do próprio William, “estranhos que se conhecem bem”.


O afastamento é colocado de lado quando a saúde de Edward começa a piorar, forçando William e a sua esposa, Joséphine (Marion Cottilard), que está grávida, a retornaram para o Alabama a fim de ajudar a mãe de William, Sandra (Alison Lohman: adulta / Jessica Lange: idosa), a cuidar do marido enfermo, desse modo, trazendo as histórias maravilhosas tão desprezadas por William de volta a sua vida, tais histórias, por sinal, constituem a maior parte do filme, agindo como flashbacks exagerados, entretanto ainda verídicos como nos é revelado ao longo do terceiro ato.


Finalmente, Big Fish (ou Peixe Grande e suas Histórias Maravilhosas) é um filme cujo objetivo é nos fazer refletir sobre a importância imprescindível que a fantasia tem para nós, humanos. Se desprovidos desta, nós nunca poderíamos acreditar em conceitos abstratos como amor, justiça, misericórdia, dever, amizade, e similares e sim, você não leu errado — eu realmente me referi a tudo isso como sendo fantasia, afinal, se eu pegar o universo e moê-lo até se transformar no mais fino dos pós e separá-lo como o mais eficiente aparelho para executar essa tarefa, encontrarei um átomo de amor, de justiça, de misericórdia, de dever, de amizade, ou mesmo dos seus similares? Óbvio que não.

Nós precisamos da fantasia para transformar um fragmento de um condrito carbonado aquecido pela entrada atmosférica em uma estrela cadente, para transformar uma entrada em um pedaço enorme de granito em uma caverna sombria assombrada por monstros... Nós precisamos da fantasia para ser humanos. E é essa a mensagem que Tim Burton tenta passar adiante com o filme considerado por mim como o seu melhor, Big Fish.

MirrorMask

Enquanto criança, eu tinha a fantasia de fugir de casa e me juntar ao circo, encantava-me com a ideia de viver entre leões, macacos, elefantes, malabaristas, mulheres-barbadas, atiradores de facas, anões e... Para falar a verdade, eu nunca gostei de palhaços, mas eles vinham com o pacote, então não havia muito a ser feito em relação a isso.

Enfim, o ponto é: eu, quando criança, queria fugir para me juntar ao circo, logo é correto assumir que o Felipe-criança, ao assistir o filme MirrorMask, nunca entenderia o porquê de Helena Campbell (Stephanie Leonidas), a qual se assemelha muito a uma das minhas ex-namoradas, querer abandonar a magia do circo e ter “uma vida real”.

Por outro lado, eu, o Felipe-adulto, ou quase isso, consigo entendê-la: é difícil ver magia em algo que faz parte do seu cotidiano, daí o nosso fascínio por tudo aquilo que é diferente, entretanto há aquela célebre frase d’O Mágico de Oz: “Não há lugar como o lar” e é isso que Helena, exímia malabarista e desenhista (outro traço compartilhado com a tal ex-namorada), descobrirá ao longo da sua jornada.


MirrorMask tem seu início numa noite na qual o circo dos pais de Helena estará se apresentando, a garota, tendo crescido no local e, desse modo, estando acostumada com tudo aquilo, não está sequer remotamente empolgada com a sua apresentação, preferindo ficar desenhando em seu trailer por horas a fio, algo que se tornará impossível devido à intervenção de sua mãe, Joanne Campbell (Gina McKee) — ela discute com a filha e outorga a sua vontade sobre a garota, mandando-a para a tenda onde se apresentará com o pai, Morris Campbell (Rob Brydon), e com ela.

Entretanto, ocorre um imprevisto: Joanne é aflita por um male e não comparece ao espetáculo, sendo substituída por um empregado qualquer do circo, o qual somente releva o estado da patroa depois da sua apresentação, ela é levada imediatamente para o hospital e Helena é hospedada no prédio da sua avó.

Dez dias mais tarde, o circo está à beira da falência devido aos gastos médicos, os empregados estão indo embora, Morris está tendo dificuldade em lidar com a situação, Joanne encontra-se em um estado deplorável e Helena sente-se culpada por acreditar que discussão na noite da apresentação desencadeou aquela situação. Ela visita a mãe, entrega um desenho desejando melhoras, retorna para o prédio da avó, descobre que tudo está indo de mal a pior, sente-se frustrada, vai para o quarto, adormece e, no meio da madrugada, desperta em um estado de transe, sai do prédio e encontra três artistas de rua, dentre estes, Valentine (Jason Barry), que será o seu companheiro em sua jornada pela Cidade das Luzes e a Terra das Sombras — sim, MirrorMask é um filme de fantasia.


Fruto da parceria entre o ilustrador Dave McKean, aqui incumbido com o papel de diretor, e o renomado Neil Gaiman, outra vez encarregado do roteiro, o filme conta com uma fotografia extraordinária que retrata perfeitamente o ambiente onírico no qual se passa, a qualidade gráfica das criaturas imaginárias, a exceção dos gigantes em órbita, não é das melhores, contudo é balanceada pela atuação magnífica do núcleo principal, isto é, a bela Stephanie Leonidas, o carismático Jason Barry e a incrível Gina McKee, a qual conta com três papéis no filme: Joanne Campbell, Rainha da Luz e também Rainha das Sombras, aqui eu chamo atenção para a “assinatura” de Neil Gaiman, o qual usou a ideia de pôr a antagonista principal como sendo uma doppelgänger (cópia) da mãe da protagonista no seu livro Coraline.

Concluindo, tudo o que posso dizer é: MirrorMask é um filme sensacional que tem sucesso em manter a atenção do espectador do início ao fim seja pela beleza da atriz principal, o surrealismo da sua fotografia, ou mesmo o conteúdo do seu enredo e assisti-lo inevitavelmente o fará parar para se perguntar por que não escolheram o talentoso Dave McKean para dirigir a última adaptação cinematográfica de Alice no País das Maravilhas — sim, ele teria feito um papel melhor que o Tim Burton, este último só tem me decepcionado depois de Peixe Grande, o qual estou indo assistir agora pela enésima vez.

Mr. Nobody

Era uma vez um Felipe-de-17-anos que, em um dia qualquer do ano de 2007, encontrava-se conversando com um Teófilo-de-17-anos embaixo da árvore atrás do ginásio durante o intervalo. Naquele dia em particular, o tópico discutido correspondia a duas palavrinhas que têm amaldiçoado a humanidade desde... Bem, sempre — “E se...?”.

(a) E se aquele Felipe-de-17-anos tivesse acordado mais tarde naquele dia?

(b) E se aquele Felipe-de-17-anos tivesse escolhido cabular a próxima aula?

(c) E se aquele Felipe-de-17-anos tivesse errado aquela questão de Matemática?

(d) E se aquele Felipe-de-17-anos tivesse, mais tarde, tido a coragem para
convidar aquela garota, Mariana, para sair com ele?

E se aquele Felipe-de-17-anos realizou uma dessas quatro ações? Teria, então, ele se tornado um Felipe-de-20-quase-21-anos diferente de mim? Ou não haveria nenhuma mudança? E se aquele Felipe-de-17-anos que teve coragem de convidar aquela Mariana-de-18-anos for o Felipe verdadeiro e eu, assim como o mundo ao meu redor, não passasse de um mero fragmento de imaginação, uma possibilidade na qual ele está pensando nesse exato momento? E se eu, um Felipe-20-quase-21-anos solteiro e calouro de Direito, for tão real quanto ele, um Felipe-20-quase-21-anos que está namorando uma Mariana-de-21-quase-22-anos e daqui pouco se formará em Medicina pela UEPa?

Isso acima, caro leitor, é um pensamento derivado da interpretação de muitos mundos, ou IMM, que é uma interpretação da mecânica quântica, a qual propõe a existência de múltiplos universos paralelos igualmente válidos e é amplamente explorada durante as duas horas e nove minutos que constituem o filme Mr. Nobody escrito e dirigido pelo belga Jaco Von Dormael e estrelado principalmente por Jared Leto e Diane Kruger.

O filme é uma narrativa não linear focada nas vidas (sim, vidas, plural) de Nemo Nobody que, aos cento e dezoito anos, é o último homem mortal. Tal mortalidade faz do Sr. Nobody uma celebridade em um mundo em que a humanidade alcançou um estado de quase imortalidade, desse modo, a iminência da sua morte é algo bastante interessante para a sociedade do ano 2092, o que culmina na invasão do quarto do ancião por um jovem repórter cujo objetivo é o de escutar a história da sua vida, mas ele acaba por escutar as histórias muitas vezes contraditórias das suas vidas, em especial aquelas ocorridas aos nove, quinze e trinta e quatro anos do Sr. Nobody.

O espectador desavisado tomaria Mr. Nobody como um filme romântico sobre escolhas e as suas consequências. Ledo engano. O romantismo apresentado no filme não é nada além de um disfarce empregado para esconder o que realmente é: um intrigante e divertido passeio por algumas das mais complexas teorias científicas do mundo contemporâneo, dentre estas, a do Big Bang, a das Supercordas, a, é claro, da IMM e, mais notavelmente, a do Big Crunch, a qual tem uma das suas possíveis consequências transformada em realidade no final do filme — algo belíssimo e, talvez, esperançoso.

O que direi a seguir para concluir o texto me renderá várias críticas (eu sei que pelo menos ela torcerá o nariz e me xingará), entretanto direi mesmo assim: Mr. Nobody não é um filme para qualquer um, se você não tiver um conhecimento prévio sobre o que é abordado ao longo das duas horas e nove minutos protagonizadas por Jared Leto, ou tem curiosidade sobre esses assuntos, escute o meu conselho e mantenha distância desse longa-metragem, caso contrário, você o odiará e, quando aparecerem os créditos, terá uma puta dor de cabeça para se preocupar.

Garden State

Novamente eu não consigo dormir, tenho sono, mas a minha perna está doendo — muito e, por isso, eu simplesmente me vejo incapaz de adormecer, então o que fazer? Bem, há um sem-número de possibilidades e eu opto por aquela que eu já deveria ter feito muito tempo atrás: assistir ao filme Garden State.

O filme em questão é o début do Zach Braff, o Dr. John “J.D.” Dorian do Scrubs, como roteirista e diretor, conta uma trilha sonora sensacional escolhida a dedo pelo ator e um enredo puramente cativante: Andrew Largeman (Braff) é um ator residente de Los Angeles que trabalha em um restaurante vietnamita, ao receber um telefonema fatídico do seu pai, Gideon Largeman (Ian Holm), ele retorna para a sua cidade-natal, New Jersey, com o intuito de comparecer ao funeral de sua mãe, uma paraplégica, que morreu ao se afogar na piscina.

De volta a New Jersey, Andrew, ou “Large”, como também é referido, reencontra-se com pessoas do seu passado como, por exemplo, Mark (Peter Sarsgaard), um velho amigo que agora trabalha como coveiro, e conhecendo outras pessoas, especialmente, Sam, uma excêntrica epilética e mentirosa compulsiva que é interpretada por Natalie Portman, aqui aos seus vinte e três anos, com uma atuação infinitamente superior a dela em Black Swan.

Uma vez com esse cenário montado, o filme exibe a metamorfose de Andrew, um sujeito deprimido e apático, ao viver uma série de experiências: ele ingere ectasy em uma festa dada por outro amigo, conhece a excêntrica, porém calorosa família de Sam, tira um dia para realizar vários pequenos trabalhos com Mark (e, de bônus, vislumbrar a paisagem de um belíssimo abismo) e então adquire, finalmente, a coragem de sentar e falar com o seu pai, consertando a relação entre os dois, a qual foi severamente prejudicada quando Andrew, aos nove anos, acidentalmente causou a paraplegia da sua mãe.

Ao final do filme (e da metamorfose), nós vemos um Andrew “Large” Largeman completamente diferente do anterior, agora um sujeito aberto para com os seus sentimentos que tem consciência de quão curta e valorosa é a vida e, principalmente, que está disposto a tomar as rédeas do próprio destino.

Em suma, Garden State é um filme sobre amadurecimento e, uau, eu deveria tê-lo assistido no ano do seu lançamento, 2004, porque o Felipe-de-14-anos, certamente, teria aprendido umas boas e importantes lições de vida.

happythankyoumoreplease

Eu tenho um exame de sangue para fazer amanhã, ou melhor, para fazer hoje daqui a algumas horas e, bem, eu não estou conseguindo dormir, esse é um dos males de estudar à tarde: você dorme durante a manhã, acorda de tarde e continua acordado madrugada adentro, às vezes, sozinho nesse período de tempo que alguns denominam de “turno do cemitério”.

O meu MSN está com problema e, ironicamente, eu não sentia vontade de escrever, logo o que fiz? Peguei um filme para assistir, no caso, um filme comédia-drama que estreou no Sundance Film Festival: happythankyoumoreplease. Sim, é um título grande, mas, ah, dá para lembrar fácil, fácil.

O filme foi escrito, dirigido e também conta com a atuação do ator Josh Radnor, o Ted Mosby do sitcom How I Met Your Mother, o qual eu recomendo bastante, e tem como abordagem inicial um grupo de sete nova-iorquinos, um deles sendo uma criança, que se esforçam tentando encontrar — por falta de termo melhor — um jeito de funcionar e em alguns instantes eles quase conseguem, mas fracassam e permanecem a fracassar até os últimos minutos do filme quando, durante um jantar entre Annie (Malin Akerman) e Sam #2 (Tony Hale, o Buster de Arrested Development), é lançada a grande mensagem por trás de tantas complicações e pequenos dramazinhos:

Annie: Há um ano, eu estava nesse táxi e o taxista, um indiano, começou a falar várias coisas, ele estava me olhando pelo espelho do retrovisor e disse: felicidade. Felicidade é o seu direito de nascença. E eu meio assim “45 com Madison?”. E ele disse “Você tem um grande potencial nessa vida. O segredo para a sua vida é gratidão. Você não agradece o suficiente”. Eu perguntei como faria isso, ele disse que era simples: era só dizer “obrigado”, perguntei quando e ele disse que sempre, agora. Ele disse que após dizer “obrigado”, devo dizer “mais, por favor”.
Sam #2: Espere. “Obrigado, mais, por favor”?
Annie: Assim, com gratidão, o universo é eternamente abundante. Então dei uma chance para a gratidão. “Obrigada, mais, por favor”.

É nesse momento que você descobre estar enganado desde o primeiro minuto: o filme não é só sobre um grupo de sete nova-iorquinos, um deles sendo uma criança, que se esforçam tentando encontrar — por falta de termo melhor — um jeito de funcionar, o filme é sobre ser feliz, ser grato por essa felicidade e desejar mais e mais. Happy. Thank you, more, please. Minhas mais sinceras congratulações a criatividade do Sr. Josh Radnor, o Ted Mosby de How I Met Your Mother.